Billetterie Les 2 Scènes, Scène nationale de Besançon : Réservez votre billet

Nouveauté : le Pass !
Vous avez moins de 26 ans, vous êtes bénéficiaire des minima sociaux, demandeur d’emploi ?
Pour 5 €, le pass donne accès à tous les spectacles, à 6 € la place, et au cinéma, à 3 €.
Le pass est nominatif et personnel. N’oubliez pas de vous munir de votre justificatif qui vous sera demandé à l’entrée en salle.

L’abonnement
Pour vous abonner, il suffit de composer un programme d’au moins 3 spectacles.
Plus vous choisissez de spectacles, plus les tarifs sont avantageux !

Faites plaisir et offrez des cartes cadeaux, du montant que vous souhaitez, valables pour un ou plusieurs spectacles comme pour un abonnement, sur l'ensemble de la saison 2019-2020.

Dans Bâtards, Michel Schweizer – dynamiteur des codes théâtraux et artiste associé aux 2 Scènes – évoque la question des frontières et du territoire, à travers l’histoire du fil barbelé. À ses côtés, Mathieu Desseigne-Ravel – danseur et acrobate passé par les Ballets C de la B, d’Alain Platel – incarne le sujet avec une gestuelle sidérante de maîtrise. Un exposé glaçant, inspiré et férocement drôle.

Objet parfois non identifié, la marionnette est riche de mille et une techniques. Cette année, le festival propose sa 18e édition dans le canton de Neuchâtel. Les 2 Scènes vous y emmènent en bus. Au programme : deux spectacles ainsi qu'une visite au musée.

Programme :
13h30 | départ du bus devant le théâtre Ledoux
15h30 | arrivée à Neuchâtel : pot de bienvenue & visite guidée du Laténium
18h | spectacle Camarades au Théâtre du Passage

https://www.lesmaladroits.com/camarades.html

19h20 | collation au restaurant du Théâtre du Passage
20h45 | spectacle Ashes to ashes au Théâtre de la Poudrière

http://chargedurhinoceros.be/project/ashes-to-ashes/

22h | départ de Neuchâtel
minuit | arrivée devant le théâtre Ledoux

Avec le soutien des Villes de Neuchâtel et de Besançon, dans le cadre du jumelage qui les lie.

Sous le feu d’une série de situations aussi hostiles que cocasses – rafales de balles de tennis, pétards qui claquent, plafond qui s’effondre… – cinq acrobates composent avec l’imprévisibilité du réel. Leur gestuelle explore ces instants où le contrôle échappe et où les corps se déforment au millimètre près pour retrouver l’équilibre. Cet art de l’esquive individuelle et collective, le Galactik Ensemble y voit une « acrobatie de situation », c’est-à-dire le rapport entre un environnement accidenté et la capacité de l’humain à s’y ajuster. Optraken interroge notre résistance et la possible résilience face aux aléas de la vie. Et le fait avec finesse et un sens comique irrésistible.
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Rompue aux expériences collectives – cette saison, elle vient aussi aux 2 Scènes avec Mona, son quintet, et The Very Big Experimental Toubifri Orchestra –, Élodie Pasquier s’offre une parenthèse solitaire pour retourner à l’essence de la clarinette et en explorer de nouveaux timbres. Elle part de la respiration et des silences pour entrer en douceur dans le son, avant de l’apprivoiser dans un équilibre ténu entre force et fragilité. S’appuyant sur sa double culture jazz et classique – elle est notamment passée par le conservatoire de Besançon –, la soliste balance entre composition et improvisation pour construire un espace de liberté. Un espace vertigineux où la musique, dépouillée de tout artifice, ne cache pas son intention de crever les cœurs.
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MOZART Symphonie n°4, en ré majeur, k.19
HAYDN Concerto pour violoncelle n°1 en do majeur, Hob. VIIb. 1
DENISOV La Mort est un long sommeil
ŒUVRE MYSTÈRE BEETHOVEN Symphonie n°4, en si bémol majeur, op.60

Deux jeunes artistes à la carrière internationale très prometteuse sont aux commandes de ce concert classique préromantique. Aurélien Pascal, violoncelliste de 25 ans, remarqué lors des récents concours internationaux d’Helsinki et de Bruxelles (Reine Élisabeth), qui joue un magnifique instrument français de 1850, et Lio Kuokman, chef aimant diriger de son clavecin, récent lauréat du concours international Svetlanov à Paris. Il a dirigé depuis des orchestres tels que Philadelphie, NHK à Tokyo, Detroit, Radio France, Rotterdam ou Sinfonia Varsovia.
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Sylvana, Amérindienne d’Amazonie – entourée par quatre Palasisi, des Blancs qui la traduisent, dansent et l’accompagnent en musique –, déploie ses imaginaires de « femme-forêt ». Ensemble, ils forgent un point de vue métis sur l’épidémie de suicides chez les Amérindiens, les ravages de l’orpaillage ou le prosélytisme des évangélistes. Après Lenga, Christophe Rulhes mêle à nouveau arts visuels, danse, cirque, musique et anthropologie pour évoquer l’Anthropocène, l’ère géologique qu’il appelle aussi La Guerre des natures. Autrement dit, la lutte entre ceux ayant conscience qu’ils appartiennent à la Terre et ceux s’imaginant que la planète leur appartient.
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Explorer la chute et la résilience, raconter son territoire et ses subsistances, en gestes et en paroles : Christophe Rulhes et Julien Cassier partagerons une expérience de plateau à partir des témoignages de chaque participant au sujet de son habitat, de son écologie, de sa zone à défendre.

À PARTIR DE 16 ANS. A l'espace.

Sylvain Lemêtre et Benjamin Flament affectionnent les brocantes, les quincailleries, les rayons bricolage. Tous deux aiment les bols tibétains mais aussi les saladiers, les gongs thaïs ou les vieux morceaux d’acier galvanisé. Ils aiment et ne comptent pas. Le plaisir est simple et archaïque. Ces deux artisans de la matière vibratoire, électroacoustique et acoustique, tenteront d’invoquer les sons oubliés, de réveiller les harmoniques fantômes, de rendre le rythme plutôt répétitif et entremêlé.
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Sommet de beauté crépusculaire, le Quintette à cordes en ut majeur de Franz Schubert a été composé pour un ensemble à deux violoncelles. Une particularité qui en fait une œuvre peu jouée. Le Quatuor Béla y voit l’occasion d’inviter Noémi Boutin, déjà venue aux 2 Scènes avec Sarabande. Pour cette création, les cinq musiciens ont demandé à Daniel D’Adamo de créer un préambule à la pièce de Schubert. Les mélodies contemporaines et classiques se combinent pour former un mélodrame instrumental d’une rare cohérence. La complicité entre les interprètes promet d’être aussi saisissante à écouter qu’à regarder.
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Ismaël est étendu sur un chemin. Il va bien, mais ne dit rien et refuse de bouger. Quand certains tentent la force pour le ramener chez lui, son corps leur glisse des mains… Mêlant théâtre, musique et danse, cette pièce est le fruit de débats entre Estelle Savasta – également accueillie, cette saison, avec Lettres jamais écrites – et des lycéens autour de la question de la désobéissance. L’occasion pour eux de parler d’injonctions – parentales, sociétales ou scolaires –, d’angoisses, de désirs de résistance ; d’interroger la limite entre sagesse et soumission. Autant de pistes explorées pour savoir si, comme le présupposaient les adolescents, « désobéir, c’est s’obéir à soi-même ».
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Créée par la compagnie italienne Teatro delle Briciole, cette pièce pour les enfants tourne dans le monde entier, depuis sa première, en 1994. Une actrice partage un vieux conte russe, en faisant appel à la complicité des jeunes spectateurs. Placés dans un rapport intime à la scène, ces derniers plongent au cœur du récit pour accompagner, pas à pas, le parcours initiatique de l’héroïne qui affronte la nuit, ses peurs et passe les épreuves avec courage. Follement ludique et d’une extrême simplicité, magique et intense, ce spectacle rappelle avec tendresse qu’il n’est pas toujours facile d’être petit dans un monde de grands. Un chef-d’œuvre intemporel, qui laisse des traces.
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François Chaignaud – venu aux 2 Scènes avec Romances Inciertos – et Marie-Pierre Brébant partagent le même intérêt pour la musique ancienne, combinée à d’autres formes d’expression. Ils concrétisent ici leur rêve fou de jouer les soixante-neuf chants composés par Hildegard von Bingen, au XIIe siècle. En croisant le geste, la voix et la bandura – un instrument dont le son évoque la harpe et la cithare –, ils convoquent une mélodie autant qu’une danse, une sculpture corporelle autant qu’une vision d’extase. À la frontière du concert et de la chorégraphie contemplative, leur performance illumine le présent et donne accès à un monde qui semblait jusqu’alors disparu.
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Douze acteurs performeurs montent sur scène, un par un, et invitent le public à cheminer vers La Gioia, la joie. Avant d’atteindre le plus beau et le plus mystérieux des sentiments, le voyage traversera les plus extrêmes avec une vitalité fiévreuse : l’angoisse, la douleur, le bonheur, l’enthousiasme… Les histoires personnelles fusionnent avec la magie du cirque, les couleurs des clowns, la mélancolie du tango ou les compositions florales de Thierry Boutemy qui dévalent en cascades oniriques. Entouré de sa troupe, qui intègre des personnes victimes d’accidents de la vie ou atteintes de handicap, Pippo Delbono – figure majeure du théâtre européen, accueillie pour la première fois aux 2 Scènes – nous livre une évocation de la fragilité et de l’évanescence des moments de joie.
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Mrs Windermere vit dans l’insouciance, entre un mari amoureux et un soupirant qu’elle repousse gentiment, lorsque survient une certaine Mrs Erlynne, femme au passé scandaleux... L'Éventail de Lady Windermere constitue l’apogée de l’art muet de Lubitsch, maître incontesté de la comédie américaine. Voix chantée, parlée ou bruitée, clarinette basse, accordéon mais aussi instruments plus insolites comme le xaphoon ou la scie musicale de l’Auguste trio alternent entre improvisation et musiques écrites pour souligner l’aisance du récit et la pureté de la mise en scène de ce chef-d’œuvre des années 1920.
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OFFENBACH La Gaîté parisienne, extraits
FRANÇAIX Concerto pour basson et 11 instruments à cordes ; Divertimento pour cor et orchestre
DERVAUX Un poème pour basson, cor et orchestre – Création
ŒUVRE MYSTÈRE
MILHAUD Le Bœuf sur le toit

Un concert qui flotte dans l’air, avec deux extraordinaires jeunes musiciens français qui se sont imposés comme solistes au sein des plus grands orchestres du monde, Philharmonique de Berlin puis Vienne pour elle, Concertgebouw d’Amsterdam pour lui, qui – également compositeur – écrit un poème musical à l’occasion de leur venue en Franche-Comté.
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Un expert, un rien imbu de sa personne, anime une conférence-concert, dans le cadre d’un cycle "Son et musique à l’image". Il est accompagné d’une assistante qui remplace celle qui l'a précédée, mystérieusement volatilisée… comme toutes les autres, avant elle. Et si ces disparitions avaient un lien avec la table mashup, cet outil qui permet le montage en direct de la vidéo et du son ? Vous l’aurez deviné, ce spectacle aborde les liens, parfois houleux, du son et de la musique avec le cinéma. Mais attention : cette conférence n’en est pas une ! C’est une performance hybride où le burlesque n’empêche pas le partage de connaissances permettant de mieux entendre le cinéma.

Projectionniste de cinéma, Sherlock rêve de devenir détective. Amoureux de la fille de son patron, il s’aperçoit que son rival a dérobé la montre du père de la jeune femme. Le voleur ayant fait accuser Sherlock, celui-ci rêve qu’il mène l’enquête… et traverse l’écran ! Sherlock Junior – où l’onirisme se mêle au burlesque – est un des films les plus poétiques de Buster Keaton. Damien Groleau et Olivier Raffin en offrent une lecture inédite, en croisant leurs univers jazz et pop-rock aux accents de la musique traditionnelle du cinéma muet. Le duo interagit aussi avec les émotions du public pour rendre l’intrigue encore plus réelle. Quand le cinéma devient un spectacle vivant…
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À l’instar de poupées russes, Oikos Logos imbrique différents degrés de lecture pour fouiller les relations des humains entre eux et avec leur environnement. La pièce s’inspire notamment des questionnements liés aux théories de l’évolution et plus largement à l’écologie en tant que « conditions de l’existence ». Autant de questions auxquelles cinq danseurs, deux musiciens et une chanteuse lyrique répondent, en explorant les traces d’animalité qui subsistent en nous et leurs influences sur nos comportements. Une archéologie dansée pour savoir d’où on vient et où on va.
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Fondé par Grégoire Gensse, composé de dix-huit musiciens issus de la jeune scène jazz lyonnaise, le Toubifri est un « gros orchestre » tonitruant, électrique et tempétueux. Au-delà de la folie qu’il dégage, c’est surtout une belle mécanique de précision, dont les modes de jeu explorent la richesse des timbres, la spatialisation du son et l’énergie des instruments. La musique se fait grave et douce, délicate et acrobatique, pop et swing, rock et jazz, blues et punk, soundpainting et salsa… Dans une fantasque fusion des genres, c’est parfois tout ça en même temps ! Vous l’aurez compris, ça décoiffe et bien malin celui qui saura coller une étiquette à ces généreux princes du multistyle.
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Inspirée de l’œuvre de Christophe Tarkos, voici une création irrévérencieuse et loufoque ; faussement sérieuse, comme le poète était lui-même faussement comique. Autant dire que l’annonce d’un opéra est loin d’être une promesse… Tantôt mise en musique et chantée, tantôt parlée et jouée, l’intrigue joue sur l’ambiguïté entre sérieux et grotesque, entre pathétique et dérisoire. Les canons de l’opéra sont frottés à l’épure des moyens mis en œuvre aux niveaux instrumental, scénographique et costumier. Entre premier et second degrés, la pièce prend des airs dada, en résonance parfaite avec la dimension narquoise de l’humour tarkosien.
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Dans sa petite maison, Hulul va se coucher. Tour à tour poétique, péremptoire ou espiègle, il partage sa recette du thé aux larmes, invite l’hiver à se réchauffer chez lui, se balade avec la lune. Ne craignant pas la solitude ou le temps qui passe, il nous apprend l’écologie de l’attention, à se faire ami de soi-même, des choses et des pensées… Derrière son apparente naïveté, cette pièce – portée par une comédienne-clown-danseuse intrépide – explore gaiement un rapport philosophique au monde. Un spectacle accessible dès 5 ans, parce qu’il n’est jamais trop tôt pour avoir des notions de phénoménologie et de mécanique quantique.
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« Est-ce bien de la musique sacrée que je viens de faire ou de la sacrée musique ? » s’interrogeait Gioacchino Rossini après avoir achevé sa Petite Messe. Sans doute un peu des deux, tant son œuvre est à la fois profondément humaine et lumineuse… Pour cette cinquième production de la co[opéra]tive, Jos Houben et Emily Wilson ont choisi d’aventurer dix-huit chanteurs, choristes, comédiens et instrumentistes dans le territoire du divin, tout en restant légers et surprenants. L’harmonie des voix dessine ainsi un espace où sacré et comique se croisent pour nous rappeler qu’un excès de transcendance peut aussi faire trébucher.
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À l’aide de poulies, cordages, tôles, ressorts… deux hommes se confrontent joyeusement aux lois de la pesanteur. Pour l’un, le tyran gravitationnel finira forcément vaincu. L’autre, ancien vérificateur des Poids et Mesures, est plus réservé… En créant L’Homme de plein vent, Pierre Meunier et Hervé Pierre engageaient, en 1996, un combat physique et poétique contre le nivellement des imaginaires et l’asservissement de la pensée. La menace conformiste n’ayant pas faibli, le duo originel revisite sa pièce pour réveiller des désirs d’allègement, des rires salutaires et de furieuses envies d’en découdre avec nos pesanteurs intimes et collectives.
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Massimo Furlan et Claire de Ribaupierre ont confié à onze philosophes européens l’écriture de chansons populaires qui seront interprétées et jouées sur scène. Un jury local commentera chaque prestation et votera avec le public pour désigner la chanson gagnante. Au sein d’une cérémonie ludique et chaloupée présentée par un invité surprise, la chanson et l’humour participent alors au partage des idées et remettent la réflexion intellectuelle au centre du débat public. Une soirée enfiévrée où paillettes, rythmes cadencés et voix suaves invitent à débattre de politique, de questions de société et du vivre-ensemble.
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La Peuge en mai est née du désir de Geoffroy Gesser – déjà venu aux 2 Scènes avec Bribes 4 ou Umlaut Big Band – de mettre en lien les luttes ouvrières du printemps 1968 avec les sonorités de musiciens-improvisateurs d’aujourd’hui. Pour cela, il a recueilli des témoignages d’anciens ouvriers, militants ou syndicalistes des usines Peugeot du pays de Montbéliard, dont celui de son grand-père. Sur scène, le matériau sonore issu de ces échanges vient rencontrer la musique du sextet du saxophoniste. Les improvisations circulent entre jazz, noise et musique électronique pour une « création radio » qui frappe par sa force tant documentaire que poétique.
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Au milieu de la scène, un homme entre dans un énorme cube rempli de mousse de bain. Il y fait vibrer la matière, s’amuse à la sculpter ou à façonner un personnage fragile qu’il dépose sur son épaule. Au fil de petits moments de surprise suspendue se déploie un poème en musique et sans paroles, si ce n’est les murmures entre petits et grands spectateurs (ce Petit Bain est accessible dès 2 ans). La pièce immerge ainsi le public dans un univers aussi léger, mouvant et merveilleux que la mousse qui le compose. Ce bijou visuel navigue délicatement entre théâtre d’objets et marionnette moderne pour laisser derrière lui de belles petites bulles de souvenirs.
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Une joute musicale entre Andy Emler et Thomas de Pourquery a tout de la fête éphémère : pas de disque, pas de répertoire précis, pas de set-list fixée dans le marbre. Juste de belles humeurs, des envies et des histoires d’un soir. Complices du plantureux MegaOctet, le pianiste et le saxophoniste-chanteur partagent l’amour des grands écarts stylistiques, de la chanson la plus populaire au jazz le plus libéré. Dans leurs mano a mano imprévus, tout peut arriver : du Claude Nougaro ou du Pierre Desproges, de la composition spontanée ou des standards détraqués, du rire ou des larmes.
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À la sortie d’un bar gay de Liège, en 2012, Ihsane Jarfi rencontre trois hommes. Quelques heures plus tard, il est battu à mort dans les phares d’une voiture. À travers une enquête minutieuse – souvenez-vous de Compassion. L’histoire de la mitraillette –, Milo Rau s’empare de ce meurtre pour éprouver la capacité du théâtre à rendre réelle la représentation de la violence du monde. Sa pièce, renforcée par une utilisation magistrale de la vidéo, pousse le spectateur vers un état de sidération pour l’interroger, entre autres, sur son propre rôle. Evénement choc au Festival d’Avignon, La Reprise plonge aux racines de la tragédie antique et porte en elle des siècles de génie théâtral.
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La « vallée de l’étrange » est, selon le roboticien Masahiro Mori, cette sensation de malaise qui nous envahit lorsqu’un robot atteint un certain degré de ressemblance avec l'homme. Stefan Kaegi, de la compagnie berlinoise Rimini Protokoll, accueillie en 2018 avec Remote Besançon, a collaboré avec l’auteur Thomas Melle et a fait réaliser un robot « plus vrai que nature » du romancier. Sur scène, le sosie mécanique se substitue à l’original humain. Que devient l’original lorsque la réplique artificielle prend le dessus ? Sommes-nous capables en tant que spectateurs de ressentir la même empathie pour la machine que pour l’être humain ? Uncanny Valley sonde la frontière de plus en plus ténue qui sépare ces deux entités. Une forme aussi inquiétante que passionnante.
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De quoi s’agit-il ? De danse et de théâtre, de musique et de voix, de féminité et de guerre. D’autobiographies corporelles, partagées par cinq artistes venues de Russie, d’Argentine, de Palestine, du Cambodge et du Danemark. En revisitant leurs parcours et leurs luttes, Séverine Chavrier livre un spectacle aussi intense que sensible. À grands coups de corps qui claquent et de confidences enregistrées, les interprètes évoquent les violences faites aux femmes par tous les pouvoirs. Surtout, elles y répondent, coup pour coup, dans un dialogue avec la liberté, sublimé par une chorégraphie qui balance du burlesque au tragique, du conte de fées à l’action brute.
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De quoi s’agit-il ? De danse et de théâtre, de musique et de voix, de féminité et de guerre. D’autobiographies corporelles, partagées par cinq artistes venues de Russie, d’Argentine, de Palestine, du Cambodge et du Danemark. En revisitant leurs parcours et leurs luttes, Séverine Chavrier livre un spectacle aussi intense que sensible. À grands coups de corps qui claquent et de confidences enregistrées, les interprètes évoquent les violences faites aux femmes par tous les pouvoirs. Surtout, elles y répondent, coup pour coup, dans un dialogue avec la liberté, sublimé par une chorégraphie qui balance du burlesque au tragique, du conte de fées à l’action brute.
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De quoi s’agit-il ? De danse et de théâtre, de musique et de voix, de féminité et de guerre. D’autobiographies corporelles, partagées par cinq artistes venues de Russie, d’Argentine, de Palestine, du Cambodge et du Danemark. En revisitant leurs parcours et leurs luttes, Séverine Chavrier livre un spectacle aussi intense que sensible. À grands coups de corps qui claquent et de confidences enregistrées, les interprètes évoquent les violences faites aux femmes par tous les pouvoirs. Surtout, elles y répondent, coup pour coup, dans un dialogue avec la liberté, sublimé par une chorégraphie qui balance du burlesque au tragique, du conte de fées à l’action brute.
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CRAS Quintette pour harpe, flûte, violon, alto et violoncelle
NAGEL Les Chants du rêve pour quintette et orchestre
RAVEL Concerto pour la main gauche ; Daphnis et Chloé, suite n°2
ŒUVRE MYSTÈRE

Récits et légendes, féeries et feux de joie : Ravel évidemment… Sa musique ne manque pas de laisser admiratives les salles du monde entier, tant par son inspiration rutilante que par le brio nécessaire à l’orchestre. Daphnis et Chloé en tête, le plus français des ballets russes, mais également le Concerto pour la main gauche, interprété par le jeune et remarquable Rémi Geniet. Le Bateau ivre, très jeune groupe aussi original qu’attachant et plein d’avenir, jouera en création Les Chants du rêve, de Florent Nagel, jeune compositeur porté lui aussi par l’esprit français et l’envie de nous raconter des légendes modernes.
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Les 2 Scènes accueillent régulièrement de grands noms du jazz et des musiques improvisées. Mais avant d’avoir pu rencontrer leur public, ces musiciens ont souvent suivi un long parcours du combattant. C’est pourquoi, afin d’accompagner les jeunes interprètes de Bourgogne-Franche-Comté vers la professionnalisation, les 2 Scènes et l’association Why Note ont créé le cycle On Stage. Sur scène, donc, sont réunis des artistes issus d’établissements régionaux d’enseignement supérieur de musique et explorant des esthétiques contemporaines et improvisées. L’occasion idéale pour prendre le pouls d’une scène locale bouillonnante, pleine de fraîcheur et d’inventivité.
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Sur un petit plateau tournant au cœur du public se croisent un clown-jongleur-violoncelliste, une trapéziste-trompettiste, une funambule-voltigeuse et un chanteur lyrique-acrobate à vélo. Dans une ambiance intime, ils ouvrent un music-hall de poche où se succèdent des numéros mêlant surréalisme, précision du geste et poésie du quotidien : dressage d’objets, chanson rythmée par un manège de bouteilles, portés main à main, tango sur assiettes… D’un rien, le quatuor fait jaillir un rire, une larme. On tient là un cirque inventif et sensible, puisant dans le théâtre, la musique et la danse pour porter, en toute candeur, l’esthétique et la force comique au plus haut point.
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SIBELIUS Spring Song op. 16 ; Valse triste op. 44 n°1 BERG Sept Lieder de jeunesse STRAUSS Lieder ŒUVRE MYSTÈRE STRAUSS Le Chevalier à la rose, suite de valse n°2 Recevoir Sandrine Piau est un plaisir rare tant notre soprano est demandée dans le monde entier. Chung, Masur, Harnoncourt, Christie, Dutoit ou Jacobs ont réclamé sur scène et en concert cette chanteuse à la technique insurpassable, musicienne jusqu'au bout des ongles. Ses récitals affichent partout complet et son dernier CD a tout simplement été élu disque de l'année 2018... Ce concert est donc un événement ! D'autant plus qu'un nouvel enregistrement de lieder allemands est prévu lors de sa rencontre avec l'Orchestre.
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La question-titre renvoie à l’état alarmant de la planète et à notre difficulté à infléchir la tendance. Pauline Ringeade s’en saisit pour explorer le rapport qu’entretient l’humain avec lui-même, les autres et le monde. S’inspirant notamment d’Ici, roman graphique de Richard McGuire et du Petit Traité d’écologie sauvage d’Alessandro Pignocchi, la metteuse en scène et ses cinq comédiens-danseurs mêlent l’imagination et le mouvement des corps pour lutter contre la tétanie. Leur création théâtrale et chorégraphique, traversée par l’espoir et l’humour, suscite ainsi la mise en action joyeuse de la pensée et des émotions. Parce que, quitte à observer le gouffre devant nous, autant le faire avec le sourire aux lèvres.
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Élodie Pasquier – également accueillie en solo, cette saison – s’est entourée du batteur belge Teun Verbruggen, du trompettiste Fred Roudet, du saxophoniste Antoine Mermet et du guitariste Thibault Florent. Autant de chasseurs de timbres qui alternent entre séquences abstraites et méditations épurées. Un quintet d’aventuriers qui offre une palette de souffles, amples et posés, réunissant puissance et sagesse et nous laisse la sensation que le son de la clarinette d’Élodie Pasquier fait corps avec le son de sa propre respiration.
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AUTOUR DE L'INSTALLATION NIPI

En s’appuyant sur les techniques du katajjaq, Marie-Pascale Dubé, comédienne et réalisatrice, et Philippe Le Goff, compositeur, vous proposent d’explorer l’expression vocale dans toutes ses tessitures, offrant ainsi à chacun la possibilité d’aller plus loin dans sa pratique souffle-corps-voix.
samedi 21 & dimanche 22 mars de 10h à 13h et de 14h à 17h
en partenariat avec Franche-Comté mission voix et la Cité de la Voix

Projet rare et singulier en France, la compagnie de l’Oiseau-Mouche regroupe des comédiens en situation de handicap mental. Elle a confié les clés de sa cinquantième création à Michel Schweizer, habitué à réunir sur scène des « communautés provisoires », en leur proposant de rester au plus près de leur nature. Sept comédiens de la compagnie partagent avec le public leur expérience scénique, faite d’émotions, de plaisir et d’exigence. L’occasion pour eux aussi d’interroger la notion d’altérité et le rapport entre la scène et la salle. Soyez prévenus : vous ne pourrez pas détourner le regard, car la présence a, ici, une densité diabolique !
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Avec la complicité de huit musiciens de l’Ensemble Cairn, Gérard Pesson propose douze transformations d’un menuet de Mozart, composé en 1789. Présent sur scène, Jérôme Combier, directeur artistique de l'Ensemble, décortique les formules qui ont guidé la réécriture. Après la version originelle, suivent des réinterprétations à la manière de Beethoven, de Messiaen, de Schumann, de Webern... Parfois, les notes se répètent, se font musique de film ou valse tyrolienne. Chaque version embarque l’auditeur dans l’atelier viennois du maître pour en révéler ses secrets et techniques d’écriture. Un voyage aussi ludique que passionnant entre musiques d’hier et d’aujourd’hui.
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Avec ce moment de théâtre chorégraphique, Héloïse Desfarges et Antoine Raimondi partent de l’intime et du corps pour questionner le monde et le politique. Sur scène, elle danse et lui parle. Dans une alchimie rythmée – où les mots deviennent visibles et les gestes verbalisés –, ils déroulent le fil de leur prise de conscience écologiste. Entre récit personnel et données factuelles, leur colère et leurs préoccupations glissent subtilement vers un universel qui fera écho en chacun. Sans culpabilité et avec humour, le duo lance ainsi une invitation poétique à l’action collective pour construire le monde de demain à l’heure d’une catastrophe écologique annoncée.
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SAINT JAMES Symphonie bleue pour trio de jazz et orchestre – Création MELLITS Three Machines DAVIS One week (ciné-concert, film de Buster Keaton) Après Megapolis, le saxophoniste et compositeur Guillaume Saint-James retrouve l’Orchestre Victor Hugo. Il explore cette fois les liens entre la note « bleue » et le « bleu » de travail, avec le rythme comme fil conducteur entre l'homme et la machine. Un programme de musiques récentes et une création jazz symphonique, en hommage aux travailleurs, à la vie moderne, ses gaîtés et ses soucis, ses rêves et ses possibilités nouvelles, illustrés avec humour et flegme par Buster Keaton, icône du cinéma muet.
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En écho aux cinquantièmes hurlants – les vents violents que les marins doivent affronter –, cette création est une réflexion sur la chute et la persévérance. Raphaëlle Boitel s’est entourée de cinq circassiens qui rendent l’impossible possible et créent ainsi un langage du mouvement, vecteur d’émerveillement et d’émotions… Prenant le contre-pied du caractère soliste des numéros sur agrès, la mise en scène compose avec les liens entre interprètes – de nationalités et de cultures différentes – pour évoquer de manière poétique la force du groupe. Dans un enchevêtrement de théâtre, de cirque, de lumière mouvante et de dispositifs mécaniques affleurent des moments partagés d’espoirs et de grâce.
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Estelle Savasta a demandé à vingt adolescents d’écrire « la lettre qu’ils n’ont jamais écrite ». Colin s’adresse alors à son grand-père, mort il y a sept ans, pour lui dire que les raviolis n’ont plus le même goût depuis. Nora écrit à son existence pour s’excuser de ne pas savoir où elle l’emmène. Tom écrit au père qu’il sera… Ces lettres intimes, parfois bouleversantes, parlent autant de leurs vies d’adolescents que de nos vies d’adultes. Des auteurs y ont répondu, comme s’ils en avaient été les destinataires. A la sensibilité des échanges fait écho l’intimité de la mise en scène, tant cette correspondance – tantôt lue, tantôt jouée – semble écrite pour être entendue tout près.
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Le mythe du beau Narcisse, épris de sa propre image, et de la nymphe Écho, condamnée à ne pouvoir dire que les derniers mots de ses interlocuteurs, n’a cessé de hanter le répertoire européen. Le metteur en scène hongrois David Marton – devenu en quelques années une des références internationales dans le monde de l’opéra et du théâtre musical, crée ici un opéra de poche, porté par cinq chanteurs et chanteuses qui jouent l’héritage musical classique et contemporain. Puisant dans les thèmes de l’art et de l’amour, de la solitude et du rapport à soi, ce spectacle gai et mélancolique invite à observer les mutations continues de la pensée, des émotions et des existences.
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Conte chorégraphique pour petits et grands, D’à côté explore la féerie de l’abstraction par le biais des sensations. Ici, l’image, le son, la lumière et les objets font pleinement corps avec la danse. Très vite, la magie opère autour de trois êtres qui fusionnent avec un décor mouvant, une envoûtante bande-son électro et des créations lumière et vidéo sidérantes d’inventivité. Devant nous émerge un monde onirique où couleurs et mouvements se combinent pour créer des formes en mutation perpétuelle. Le jeu des apparitions et disparitions suscite ainsi une poésie de l’étonnement adressée à tous les imaginaires, D’à côté étant accessible dès 6 ans.
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Orphée est un opéra pour et par les enfants, créé au Théâtre du Capitole de Toulouse en juin dernier par Jean-François Verdier. Sur scène, il dirige l’Orchestre et plus d’une soixantaine d’enfants, élèves du Conservatoire. Le livret de Dorian Astor, philosophe musicologue amoureux d’opéra, nous invite à suivre M. Appolo et sa classe en visite à Thrace. Ils vont découvrir la légende mythique d'Orphée, personnage qui symbolise à la fois la naissance même de l’opéra avec L'Orfeo de Monteverdi mais aussi tous les arts, tous les artistes. L’univers plastique de la metteuse en scène Céline Schnepf nous entraînera aux côtés des bergers de la noce d’Orphée et Eurydice jusque dans les Enfers.
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Le criquet est un insecte. Ça, vous le saviez déjà. Mais saviez-vous qu’il pouvait aussi être plein d’humour et jouer du violon ? C’est le cas de celui imaginé par Zdenek Miler, réalisateur tchèque de dessins animés dont la célèbre Petite Taupe. Son héros, qui évolue dans un univers enfantin et délicat, se sort de situations périlleuses, grâce à la magie de sa musique : qu’il soit kidnappé par une araignée ou avalé par une poule, rien ne l’arrête ! Dans ce ciné-concert, accessible dès le plus jeune âge, la partition d’Étienne Meyer, confiée à trois musiciens des Traversées Baroques, vient accentuer avec humour et tendresse les aventures d’un criquet aussi rusé que talentueux, archet à la patte.
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Ces dernières années, Laurie Cannac a observé une recrudescence d’enfants-rois, qu’elle appelle ses JeveuxJeveuxJeveux. Elle a souhaité faire un spectacle pour eux. Mais comment penser à eux sans penser aux grands JeveuxJeveuxJeveux, qui continuent aveuglément leur course folle aux dépens de l’avenir des premiers ? Revisitant le conte Le Pêcheur et sa femme des frères Grimm, la comédienne plonge avec la fantaisie d’un clown dans un océan de marionnettes. L’occasion pour elle de sonder, avec un savant dosage d’humour et de poésie, la question du désir insatiable de l’humanité et son impact sur une nature qui finira, peut-être, par rendre les coups.
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